top of page
  • Foto do escritorHebert Silva Araújo

Compreender os fundamentos do arranjo musical


Arranjo musical é a arte de organizar e adaptar uma peça musical. Envolve tomar decisões sobre como diferentes elementos musicais, como melodia, harmonia, ritmo e instrumentação, são estruturados, orquestrados e apresentados em uma composição.

Os principais elementos ou componentes que compõem o arranjo são forma, instrumentação, ritmo, harmonia e, possivelmente, design de som e elementos texturais. Neste artigo, exploraremos as diferentes possibilidades de técnicas de arranjo, os aspectos do arranjo musical e como esses aspectos podem impactar a forma como a música é percebida em uma determinada produção.

Vá para o básico do arranjo musical:

  1. Forma

  2. Instrumentação

  3. Ritmo

  4. Harmonia

  5. Design de som e texturas

  6. Juntando tudo em uma produção do mundo real

1. Forma: como as diferentes peças funcionam juntas

A forma do arranjo musical considera como as diferentes partes de uma música ou peça musical são organizadas no tempo. Podemos ter as ideias básicas para uma música, com um verso, um refrão e uma ponte , e então, durante a fase de arranjo, decidir que queremos, por exemplo, repetir os refrões duas vezes e depois adicionar um novo verso após o ponte. Talvez esse versículo recém-adicionado seja um “colapso”, o que nos fará pensar em como estamos apresentando aquela seção em termos de instrumentação e dinâmica, em contraste com as seções anteriores e posteriores.

Pessoalmente, acho que as decisões relativas à forma de uma peça são tão importantes quanto a instrumentação e até mesmo os principais elementos centrais de uma música. Poderíamos ter uma melodia realmente cativante e memorável com ótimas letras , mas se as partes não forem bem pensadas e tivermos a quantidade errada de repetições ou seções insuficientes para manter a atenção fresca, então poderemos acabar com um não. - peça musical tão envolvente.

Se a forma for bem elaborada, a música deverá parecer excitante e nova, na medida em que nos seja apresentado algo familiar (portanto, confortável e agradável – “sentir-se em casa”), mas surpreendente o suficiente para manter o ouvinte sempre entusiasmado com o novo. coisas que estão surgindo à medida que a música se desenvolve.

Vamos pegar a obra-prima do Queen, “Bohemian Rhapsody”, como exemplo

Muitos de nós estamos familiarizados com este clássico de 1975 do Queen. Embora não seja a única música longa e com várias seções, é certamente a mais famosa.

Este é um exemplo de peça magistralmente trabalhada que o leva por toda uma viagem, mas só depois de dar o tom e convidá-lo a entrar num universo musical muito familiar durante quase três minutos. É por isso que o estou usando como exemplo para explorar a forma. E como veremos aqui, a influência de Freddie Mercury na música clássica está especialmente presente nesta música.


Após a icônica introdução vocal e uma vez que o piano entra com o motivo arpejado, a música parece se estabelecer em um ritmo, e se desenvolve mais ou menos como uma música pop tradicional, com um verso seguido por um refrão e depois outro verso e refrão. (embora a letra não se repita como esperaríamos em um refrão típico). Então, aproximadamente aos 2:36 , Bryan May entra com um incrível solo de guitarra sobre as mesmas mudanças de acordes com as quais já estávamos familiarizados há algum tempo.

Até agora, as coisas aconteceram de uma forma mais ou menos esperada . Então, depois de quase 3 minutos de música, as coisas mudam drasticamente: uma mudança repentina de tom nos leva a uma seção musical completamente diferente, que se desenvolve e se move através de diversas variações, acabando por se transformar na música de rock épica que conhecemos, com cantos, novos riffs de guitarra pesados ​​e ainda mais solos de guitarra.

Esta é uma manipulação de forma realmente inteligente. Ao introduzir esta seção completamente nova, a música é atualizada de uma forma completamente inesperada e, ao fazer isso, o retorno ao motivo e tom originais da música no final cria uma recompensa do tipo círculo completo. Ao nos afastarmos cada vez mais do que antes conhecíamos como nosso lar musical durante os primeiros 3 minutos de música, voltar ao tom e ao clima originais no final é uma gratificação muito esperada. Este é o tipo de música que vai fazer você querer parar alguns momentos para refletir e processar o que aconteceu depois de terminar.

Sem ser muito técnico ou escolástico, vale ressaltar que a forma como acontece o retorno ao tema de abertura é muito semelhante à forma como se estrutura um concerto clássico. Poderíamos pensar no solo de guitarra que começa às 4h45 e depois se funde com uma execução de piano às 4h52 , agindo de forma semelhante ao que uma cadência faria em um concerto. Normalmente, isso aconteceria no final da seção de “desenvolvimento” (semelhante à forma como a nova e mais aventureira seção acontece aqui, começando às 3:00 ) e seria um momento para o solista florescer e tocar um solo quase improvisado. seção. Depois disso, ocorreria o retorno ao tema e tonalidade originais.

Se você está curioso sobre isso e deseja explorá-lo com mais profundidade, recomendo que você pesquise a “Forma Sonata”.



  • Produtos

  • Comunidade

  • Apoiar


28 de novembro de 2023 por Nahuel Bronzini Compreender os fundamentos do arranjo musical Compartilhar




  • Copiado!



Arranjo musical é a arte de organizar e adaptar uma peça musical. Envolve tomar decisões sobre como diferentes elementos musicais, como melodia, harmonia, ritmo e instrumentação, são estruturados, orquestrados e apresentados em uma composição. Os principais elementos ou componentes que compõem o arranjo são forma, instrumentação, ritmo, harmonia e, possivelmente, design de som e elementos texturais. Neste artigo, exploraremos as diferentes possibilidades de técnicas de arranjo, os aspectos do arranjo musical e como esses aspectos podem impactar a forma como a música é percebida em uma determinada produção. Vá para o básico do arranjo musical:

  1. Forma

  2. Instrumentação

  3. Ritmo

  4. Harmonia

  5. Design de som e texturas

  6. Juntando tudo em uma produção do mundo real

Comece a organizar sua música com as ferramentas incluídas no Komplete Start , um pacote gratuito de instrumentos, samples, sintetizadores de nível profissional e muito mais. Obtenha o Komplete Start gratuitamente

1. Forma: como as diferentes peças funcionam juntas A forma do arranjo musical considera como as diferentes partes de uma música ou peça musical são organizadas no tempo. Podemos ter as ideias básicas para uma música, com um verso, um refrão e uma ponte , e então, durante a fase de arranjo, decidir que queremos, por exemplo, repetir os refrões duas vezes e depois adicionar um novo verso após o ponte. Talvez esse versículo recém-adicionado seja um “colapso”, o que nos fará pensar em como estamos apresentando aquela seção em termos de instrumentação e dinâmica, em contraste com as seções anteriores e posteriores. Pessoalmente, acho que as decisões relativas à forma de uma peça são tão importantes quanto a instrumentação e até mesmo os principais elementos centrais de uma música. Poderíamos ter uma melodia realmente cativante e memorável com ótimas letras , mas se as partes não forem bem pensadas e tivermos a quantidade errada de repetições ou seções insuficientes para manter a atenção fresca, então poderemos acabar com um não. - peça musical tão envolvente. Se a forma for bem elaborada, a música deverá parecer excitante e nova, na medida em que nos seja apresentado algo familiar (portanto, confortável e agradável – “sentir-se em casa”), mas surpreendente o suficiente para manter o ouvinte sempre entusiasmado com o novo. coisas que estão surgindo à medida que a música se desenvolve. Vamos pegar a obra-prima do Queen, “Bohemian Rhapsody”, como exemplo Muitos de nós estamos familiarizados com este clássico de 1975 do Queen. Embora não seja a única música longa e com várias seções, é certamente a mais famosa. Este é um exemplo de peça magistralmente trabalhada que o leva por toda uma viagem, mas só depois de dar o tom e convidá-lo a entrar num universo musical muito familiar durante quase três minutos. É por isso que o estou usando como exemplo para explorar a forma. E como veremos aqui, a influência de Freddie Mercury na música clássica está especialmente presente nesta música.




Após a icônica introdução vocal e uma vez que o piano entra com o motivo arpejado, a música parece se estabelecer em um ritmo, e se desenvolve mais ou menos como uma música pop tradicional, com um verso seguido por um refrão e depois outro verso e refrão. (embora a letra não se repita como esperaríamos em um refrão típico). Então, aproximadamente aos 2:36 , Bryan May entra com um incrível solo de guitarra sobre as mesmas mudanças de acordes com as quais já estávamos familiarizados há algum tempo. Até agora, as coisas aconteceram de uma forma mais ou menos esperada . Então, depois de quase 3 minutos de música, as coisas mudam drasticamente: uma mudança repentina de tom nos leva a uma seção musical completamente diferente, que se desenvolve e se move através de diversas variações, acabando por se transformar na música de rock épica que conhecemos, com cantos, novos riffs de guitarra pesados ​​e ainda mais solos de guitarra. Esta é uma manipulação de forma realmente inteligente. Ao introduzir esta seção completamente nova, a música é atualizada de uma forma completamente inesperada e, ao fazer isso, o retorno ao motivo e tom originais da música no final cria uma recompensa do tipo círculo completo. Ao nos afastarmos cada vez mais do que antes conhecíamos como nosso lar musical durante os primeiros 3 minutos de música, voltar ao tom e ao clima originais no final é uma gratificação muito esperada. Este é o tipo de música que vai fazer você querer parar alguns momentos para refletir e processar o que aconteceu depois de terminar. Sem ser muito técnico ou escolástico, vale ressaltar que a forma como acontece o retorno ao tema de abertura é muito semelhante à forma como se estrutura um concerto clássico. Poderíamos pensar no solo de guitarra que começa às 4h45 e depois se funde com uma execução de piano às 4h52 , agindo de forma semelhante ao que uma cadência faria em um concerto. Normalmente, isso aconteceria no final da seção de “desenvolvimento” (semelhante à forma como a nova e mais aventureira seção acontece aqui, começando às 3:00 ) e seria um momento para o solista florescer e tocar um solo quase improvisado. seção. Depois disso, ocorreria o retorno ao tema e tonalidade originais. Se você está curioso sobre isso e deseja explorá-lo com mais profundidade, recomendo que você pesquise a “Forma Sonata”.

Sessão de gravação com quarteto de cordas ao vivo

2. Instrumentação: quem toca o quê? Quando falamos em instrumentação, estamos nos referindo à escolha de sons ou instrumentos que assumirão os diferentes papéis musicais no arranjo. Podemos pegar as mesmas partes musicais que são tocadas, digamos, com um violão, uma única voz e um violino em uma canção folclórica, e reatribuí-las a um sintetizador (para tocar os acordes), a um violoncelo para tocar. a melodia vocal e, talvez, um banjo (para tocar os trechos melódicos do violino original). Mesmo sem alterar uma única nota no arranjo, ao modificar a instrumentação, certamente impactaremos a forma como a música é percebida. Mudar a instrumentação é mudar as texturas que ouvimos, e essa é uma das formas mais poderosas de moldar o som de um arranjo. Neste caso, estamos falando em trocar instrumento por instrumento por peças que já foram confeccionadas. Isso pode ser bastante eficaz quando se trabalha com uma peça musical que possui um arranjo facilmente reconhecível e, mudando apenas a instrumentação, chamaremos a atenção do ouvinte ao tocar as mesmas notas, mas com timbres completamente diferentes . Num cenário bem diferente, onde talvez não exista um arranjo musical prévio na hora de escolher a instrumentação, estamos configurando uma série de parâmetros para o que será possível. Para mim, geralmente começa com uma ideia melódica (ou uma ideia de vocalização de acordes) e pensando em qual instrumento seria legal usar para isso. Mas a outra forma, onde penso num som interessante independentemente das notas, pode desencadear todo o tipo de brainstorming musical, apenas com base nas possibilidades do instrumento e no que ouvimos aquele instrumento tocar noutras músicas ou obras. Em ambientes mais tradicionais, poderíamos pensar em vários tipos de conjuntos predefinidos que poderíamos usar como ponto de partida para possíveis instrumentações em um projeto. Alguns deles podem ser um quarteto de cordas (dois violinos, uma viola e um violoncelo), uma seção rítmica/combo de jazz (piano e/ou guitarra, contrabaixo e bateria), uma big band (basicamente uma seção rítmica de jazz). além de uma seção de trompas composta por quatro trompetes, quatro trombones, dois saxofones altos, dois saxofones tenor e um saxofone barítono). Outros tipos de instrumentação padrão encontrados na música tradicional são um conjunto vocal ou coro SATB (soprano, alto, tenor, baixo) (um coro terá vários cantores de cada) e orquestras de câmara e sinfônicas completas. “See The World” de Aaron Gibson – arranjo para baixo elétrico, quarteto de cordas e voz Este é um dos projetos mais especiais em que estive envolvido, tanto pela sensibilidade da música quanto pelo desafio técnico de elaborar um arranjo para ela. Aqui, a escolha do arranjo dos instrumentos e como cada parte se encaixava no quebra-cabeça musical foi fundamental para que tudo funcionasse em conjunto.


O principal desafio aqui é que o baixo elétrico toca uma ampla gama de texturas e notas, desde a parte mais grave do registro com notas profundas preenchendo o espaço até registros mais percussivos e agudos.

Um quarteto de cordas normalmente possui faixas e funções muito distintas para cada um dos instrumentos. O violoncelo geralmente ocupa a parte mais baixa do espectro, os violinos cobrem os agudos e a viola une tudo no centro.

Neste caso, o quarteto assume diferentes formas e papéis à medida que a música avança para imitar alguns dos sons que o baixo está criando ou se tornar um elemento de contraste e criar um som mais completo, cobrindo tudo o que o baixo deixa em aberto.

Por exemplo, durante a introdução, o baixo fornece um padrão de dedilhado rítmico sobre onde a voz está cantando e, para complementar isso, o quarteto toca acordes longos e sustentados com alguns acentos melódicos para apoiar o vocal. Isso cria um som rico e equilibrado durante essa seção. O espaçamento das notas e o quão aberto o quarteto está tocando são fundamentais para criar suporte e espaço para o baixo aparecer e o vocal ainda ser o foco principal.


3. Ritmo: groove e além

Muitas vezes esquecido, o ritmo é um dos principais componentes do arranjo. A partir do momento em que adicionamos um novo componente melódico ou modificamos a melodia de uma música, estamos fazendo modificações rítmicas na peça. Se pegarmos as notas de uma melodia existente e alterarmos a duração ou o ponto inicial de algumas notas, a melodia parecerá bem diferente da original. Esta seria uma simples mudança rítmica no arranjo, mas pode ter um enorme impacto na forma como a música é sentida.

Uma vez que tenhamos uma mudança de ritmo na melodia, isso fará com que outras partes que estão tocando fora da melodia mudem (esta pode ser uma parte de acompanhamento tocando acordes sob a melodia), e quando mudamos o acento do acorde muda em uma música, então estamos mudando a sensação do groove. Todas as peças musicais estão conectadas e se alimentam umas das outras. É fascinante. Só precisamos ouvir com atenção e ver como as coisas impactam outros elementos da música quando fazemos uma mudança.

Vamos ouvir “1612” de Vulfpeck como exemplo

Esta seria uma música completamente boa que poderia funcionar perfeitamente mesmo com um padrão de dedilhado de guitarra tocado uniformemente ou meias notas tocando os acordes em um piano. Ele tem um conjunto de mudanças harmônicas semelhantes a uma situação do tipo blues I-IV padrão, e isso é ótimo por si só. Mas a forma como as diferentes partes são organizadas ritmicamente realmente leva a música para o próximo nível.


O baixo sincopado e o bumbo da bateria criam todos os tipos de acentos, enquanto o ostinato do piano ajuda a manter o tempo. Esses dois elementos juntos dão uma sensação de groove. O “groove” é tudo o que interage, os sucessos e os espaços intermediários. Isso permite que o vocal faça todos os tipos de reviravoltas divertidas na melodia. Por ter uma sensação rítmica bem distinta, há muito espaço para improvisação e espontaneidade. Essa música é realmente sobre groove e diversão.

4. Harmonia: a substância musical da alma Este é um favorito pessoal para mim. Acordes são uma espécie de caminho para puxar o coração de alguém. Há tanta coisa que podemos fazer com uma simples substituição de acordes ou uma inversão sutil de um dos acordes existentes em uma música. Muitas vezes, ao trabalhar com compositores , meu trabalho como produtor e arranjador é encontrar o que já está funcionando na música e o que poderia precisar de um pequeno ajuste para elevar os elementos centrais de uma música. Acho que as mudanças de acordes e como eles são organizados ao longo da música são um dos fatores-chave para uma música funcionar. Normalmente inclino-me para mudanças pequenas e sutis, em vez de grandes rearmonizações de seções. Mas às vezes, uma música pode simplesmente não ter movimento harmônico suficiente e começar a parecer muito repetitiva ou não envolvente o suficiente após algumas repetições de uma simples progressão de acordes . Se tivermos sorte, poderemos encontrar maneiras de fazer a melodia existente funcionar sobre um conjunto diferente de mudanças de acordes. Isso poderia dar à seção do refrão de uma música uma perspectiva totalmente nova, ou até mesmo uma ponte que se destacasse poderia ser criada com essa abordagem. Arranjo de guitarra de Pat Metheny de “Don't Know Why” Este é um belo exemplo do que pode ser alcançado ao reimaginar as mudanças de acordes de apoio em uma música.


Se você conhece essa música, que ficou famosa por Norah Jones em seu álbum de estreia “ Come Away With Me ”, você ouvirá como Pat Metheny habilmente manteve a melodia original quase intacta, ao mesmo tempo que lhe deu um significado totalmente novo com suas rearmonizações. O que adoro nesta versão é que ele garante que estamos bem acostumados com a música durante a primeira seção do arranjo, tocando a melodia como a conhecemos e apenas alterando sutilmente o funcionamento da harmonia por baixo, com pequenas variações e mudanças de alcance. , adicionando e subtraindo notas graves, mas sem alterações significativas na estrutura do acorde. Então, uma vez que pensamos que isso será tudo o que conseguiremos, ele introduz um cromatismo realmente inteligente e de bom gosto na parte e leva os acordes muito além de sua tonalidade original, começando em 2:04 . Mas tudo isso funciona e parece natural porque a estrutura da melodia é mantida intacta. Ao se apegar ao familiar, ele é capaz de nos levar em uma jornada harmônica completa.

5. Design sonoro e texturas: usando paisagens sonoras na música Como parte do arranjo musical, na produção musical moderna, temos a capacidade de adicionar sons texturais que não necessariamente sugerem notas ou acordes específicos, mas podem criar um halo de som em torno de outros elementos, adicionando uma sensação de espaço, uma certa cor. matiz e vibração. Um bom exemplo disso é adicionar estalos e ruídos de vinil ao fundo ou sons ambientes do mundo real (podem ser paisagens sonoras de cidades, sons de pássaros cantando ou o som de ondas quebrando na costa). Ouvimos exemplos disso já nos Beatles e no Pink Floyd. Dessa forma, os elementos de design de som tornam-se quase parte das decisões de instrumentação, e a maneira como utilizamos esses sons pode afetar a sensação das diferentes partes da música. Se tivermos um certo som de fundo tocando durante a introdução, mas depois fizermos com que ele desapareça quando os vocais entram no verso, então estamos tomando decisões formais em relação a essa textura. A textura pode permanecer durante toda a música e ser removida repentinamente em algum momento para criar uma sensação de contraste. Na verdade, não existem regras escritas sobre como usamos texturas ou qualquer coisa assim. (Talvez existam algumas regras escritas por aí, mas eu recomendo fortemente que você use seu ouvido e seu próprio gosto. Se for bom, isso significa que está funcionando!) Uma olhada na textura: “Wish You Were Gay” de Billie Eilish Esta é uma das minhas músicas favoritas do álbum de estreia de Billie. Que grande adição à música pop contemporânea. Tanto em termos de som/mixagem quanto de produção/arranjo.


Tudo é feito com sutileza e inteligência. O mesmo acontece com o uso de design de som nesta música. Billie e o produtor Finneas usaram o que parecem ser gravações de multidões para comentar o que as letras descrevem e também para gerar transições texturais entre as seções. Aqui, o uso do design de som é uma adição sonora e lírica. Para encontrar esses bits, use fones de ouvido e vá para 0:12 , 0:29 , 1:35 e 2:47 (este é realmente sutil).

6. Juntando tudo em uma produção real Aqui está um exemplo de uma produção recente que fiz para o artista chileno ZAPLA, na qual utilizamos uma abordagem híbrida no processo de arranjo e produção, tendo instrumentos que tocavam de forma mais improvisada e outros mais roteirizados.


A música me foi apresentada como uma peça acústica com apenas guitarra e vocal. Na versão produzida podemos ouvir um violão principal, que carrega a semente original da música, e depois o restante dos elementos (piano, contrabaixo, guitarra elétrica, bateria, violoncelos) foram arranjados e adicionados para complementar a ideia inicial .

Guitarras, piano e contrabaixo foram tocados seguindo uma folha de acordes e com algumas instruções fornecidas durante as sessões de gravação, mas sem uma parte escrita explícita. As partes do violoncelo foram compostas primeiro tocando em um DAW com um controlador MIDI usando Session Strings 2 do Kontakt e posteriormente transformadas em partituras para um violoncelista regravá-las em um estúdio.

Ter uma biblioteca de samples de cordas realista foi crucial para encontrar inspiração sonora para criar uma parte que combinasse com a música e combinasse bem com os instrumentos acústicos já gravados.

Aqui está um trecho da faixa com as cordas VST conforme foram usadas durante a pré-produção correspondente à seção final da música que começa às 3:08 . Alguns elementos são silenciados durante os primeiros compassos para que possamos ouvir as partes do violoncelo com mais clareza neste exemplo.


Comece a organizar sua música

Espero que agora você esteja pronto para mergulhar mais fundo no mundo da produção musical com a mentalidade de um arranjador. É tudo uma questão de pensar holisticamente sobre a música em que você está trabalhando e lembrar que não existem regras definidas sobre como abordar um projeto. Embora tenhamos discriminado os principais aspectos que compõem um arranjo, em todos esses exemplos houve mais de um aspecto envolvido no processo.

O panorama musical é vasto e podemos nos aprofundar em diversos temas e disciplinas específicas. Se houver algo que discutimos neste artigo que pareça particularmente interessante para você, vá em frente e mergulhe mais fundo. Ter um forte entendimento básico de harmonia funcional , orquestração e as diferentes qualidades de diferentes instrumentos , ou um bom entendimento de síntese , são ferramentas que enriquecerão sua perspectiva e lhe darão espaço para criar ainda mais livremente.

Pense em fazer, arranjar e produzir música como cozinhar ou fazer uma salada, onde todo e qualquer ingrediente terá impacto no resultado final da refeição. Sabor, crocância e quantidade de tempero estão todos conectados e trabalhando juntos para criar uma experiência incrível.

Eu encorajo você a experimentar e usar as ferramentas que temos para criar combinações únicas de sons e texturas que falam com você. Não se importe de pintar fora das linhas. Tudo faz parte do processo. Pegue uma melodia, experimente em um sintetizador, mude o instrumento para um som diferente, duplique, faça pan, filtre. Divirta-se com isso. Descubra o que move você. Tenho certeza de que isso falará com outras pessoas também.

3 visualizações0 comentário

Posts recentes

Ver tudo
bottom of page